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- Versión de Iván Ferreiro de El leñador y la mujer América

- Crónica y fotos del concierto de presentación de La pareja tóxica en Sevilla

- Tráiler de su primera película

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 Wenceslao Burón es un ilustrador sevillano

Redacción, grabación y montaje: Paula Velasco
Asistente de grabación: Juan Blanco

88 dibujos perfectamente alineados abren la exposición. Ocupan todo el lateral izquierdo de la sala, colocados con mimo para que encajen formatos y contenidos. Lo primero que llama la atención es su presentación: cada Din A4 está enmarcado por una funda de plástico, de las que se utilizan para guardar apuntes. Cada funda está, a su vez, pegada con adhesivo a los muros de la galería. Y así con cada uno de los dibujos. Tras dudar  si el tratamiento se debe a un recorte de presupuesto o a una genialidad del artista, la mirada se centra en el contenido tras el plástico. Allí permanecen congelados varios fotogramas de películas, todos con un tema en común: el arte.

Reyes ha usado la cultura de masas para reflexionar sobre la naturaleza del arte. El cine no es más que una reinterpretación de la realidad, revisada a su vez por la línea del artista. Los filmes elegidos forman parte del imaginario social, de esas imágenes compartidas repetidas hasta la saciedad en las pantallas que conforman nuestra realidad. No están elegidas al azar, la fragmentación ha sido más que deliberada y muy inteligente. Todos hablan de arte, desde Woody Allen hasta el Nota, todos tienen algo que decir y se valen de los subtítulos para este fin. Los amantes del cine incluso le pondrán voz a las letras que irrumpen en el dibujo.

Ver esta exposición lleva su tiempo. La presencia del texto hace que, inevitablemente, queramos leer cada una de las letras dibujadas a tinta. Este hecho asegura al artista que el espectador se detendrá delante de sus creaciones el tiempo necesario para que calen en él. Los trazos se adaptan a los formatos del cine y reinterpretan sus rotros.

Algo parecido sucede con la segunda parte de la exposición, obras de gran formato trabajadas con acrílico y esmalte pero sin perder la línea tan característica del artista. En los lienzos blancos aparecen enmarcadas imágenes extraídas de fotografías reales, talladas en un gris poco llamativo. El nexo entre ellas es la presencia de la sangre, representada por puntos de distinto tamaño en un rojo vivo y brillante. Cada escena de violencia tiene un contexto determinado pero, al llevarlas al mundo del arte, se amplía su discurso y hablan de cuestiones generales y no de momentos puntuales. El artista ha eliminado cualquier detalle que pudiese resultar molesto, las escenas son asépticas y limpias.

Merece la pena acudir a la Galeria Birimbao para ser partícipe de esta muestra. Estará abierta al público hasta el próximo 15 de febrero, los lunes de 18 a 21 horas, de martes a viernes de 11 a 13,30 y de 18 a 21 horas y los sabados de 11 a 13,30. ¡No te la pierdas!

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Leí a un compañero hace ya unos años que el estilo de Iván Ferreiro es algo así como un suave licor (o si se prefiere, un dulce ron caribeño, por aquello de su pasado bucanero) si es administrado en pequeñas dosis, pero puede convertirse en un veneno letal si la ingesta se prolonga en demasía. Aunque probablemente su amplísima cartera de incondicionales pida mi crucifixión anticipada, no pude evitar acordarme de esta afirmación al final de su actuación en Sevilla.

 

El licor o el veneno

[Fotos: Beatriz Hidalgo / Crónica: J.M. Campos]

Leí a un compañero hace ya unos años que el estilo de Iván Ferreiro es algo así como un suave licor (o si se prefiere, un dulce ron caribeño, por aquello de su pasado bucanero) si es administrado en pequeñas dosis, pero puede convertirse en un veneno letal si la ingesta se prolonga en demasía. Aunque probablemente su amplísima cartera de incondicionales pida mi crucifixión anticipada, no pude evitar acordarme de esta afirmación al final de su concierto en Sevilla.

Y es que si hay una señal para medir el impacto del músico gallego en las masas esa es la convergencia en sus conciertos de oyentes de varias generaciones. No sólo sigue atrayendo a nuevos y jóvenes seguidores (con una aceptación destacable entre las féminas -cosa que no es ni buena ni mala, aclaremos-), sino que además sigue manteniendo en buena medida los aficionados que comenzaron siguiéndole a la par que conquistaba escenarios con Los Piratas. Empresa, esta última, probablemente más complicada.

Iván Ferreiro se presentaba con la melodía de la Metro Goldwyn Mayer en la Sala Custom -que colgó el “no hay billetes”- confesándose un artista de mierda según el título de su último álbum, en el que redefine algunas de sus canciones más destacadas con trazos musicales más delicados.

No obstante, poco tuvo que ver el concierto con el cd+dvd lanzado recientemente (no sólo por la ausencia de amigos como Santi Balmes, Rubén de Pereza o Xoel López -Deluxe-), puesto que en general se trataba de las mismas canciones de siempre, con la apariencia más o menos habitual.

No seré yo quien se atreva a poner en entredicho sus inapelables temazos (especialmente los de Los Piratas) pero dio la sensación de que el concierto se movió siempre en la baldosa de lo previsible. 

Ferreiro, simpático con el público y tan enérgico como le recordábamos en la interpretación, se dejó pocas balas sin disparar provenientes de sus tres discos (más el EP Las siete y media): desde el crudo reflejo de un período decadente en El viaje de Chihiro (“…te quiero pero no sé bien por qué…”), hasta el retrato amargo y sincero del amor que se muere de Extrema pobreza, pasando por otras grandes composiciones como Rocco Sigfredi, Canciones para el tiempo y la distancia o N.Y.C.

Sin olvidar la más redonda de todas bajo mi punto de vista: Turnedo. Hermosa, sin estribillo -ni falta que le hace- y asombrosa en cualquiera de sus variantes. Ay, pero sin instrumentos de viento…

No escatimó con los himnos piratas que todos nos sabemos de principio a fin: El equilibrio es imposible, M, Años 80, Promesas que no valen nada o Mi coco, con la que cerró el monojo de clásicos y también su actuación.

Sin embargo, escasearon las sorpresas, los giros de guión, los guiños, las estocadas. Al menos, y tras sondear también 1999 de Love of lesbian y El leñador y la mujer América (que hace poco versionó) de Zahara, lanzó un clavel a los sevillanos Maga interpretando 19.

El público se marchó satisfecho de la Custom porque recibió exactamente lo que esperaba de su artista favorito. Ni más ni menos.

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Los diez artistas ganadores y que componen la exposición son Irene de Andrés (Ibiza), Cristina Garrido (Madrid), Marta Jiménez (Aragón), Moneiba Lemes (Lanzarote), Juanjo López (Madrid), David Martínez (Asturias), Mikeldi Pérez (Bizkaia), Eugénie Péron-Douté (Francia), Gorka Piñol (Barcelona), y Antònia del Río (Mallorca), todos ellos menores de 30 años.

Sus obras están repartidas por la sala de manera elocuente, con una iluminación apropiada para lo exhibido. Algunas destacan inevitablemente sobre otras, que quedan en la sombra. Junto a las cuadros no hay nada que nos hable del artista, de sus intereses e inquietudes, lo que libera de prejucios pero limita la reflexión sobre el trabajo de los premiados.

La ruta comienza con la obra de Eugénie Péron-Douté, una serie de fotografías minimalistas impresas en planchas de aluminio que se agrupan de dos en dos bajo el nombre de Suite Minimaliste. Entre los dípticos sobresale una plancha de mayor tamaño, denominada Plan A, que encaja a la perfección y completa el significado de la obra.  A su lado encontramos las pinturas de Moneiba Lemes, óleos sirven de transición para llegar a los cuadros de Cristina Garrido, trabajos de gran calidad en los que la fotografía y la pintura se mezclan para diluir los límites de cada técnica. En Velo de Invisibilidad la artista interviene postales sacadas de museos para borrar el objeto artístico, con la intención, en palabras de la propia artista, de “cuestionar la idea de la obra de arte como mercancía en el contexto institucional, la noción de la autoría artística“.

Avanzamos para toparnos con la obra de otra mujer, Irene de Andrés. En sus fotos, la velocidad de obturación sirve para engañar y crear nuevas realidades. Un hotel sin interés turístico puede convertirse en un apartamento con vistas al mar solo con el dominio de la técnica. Antònia del Río establece su discurso artístico entre grafito y papel milimetrado, elementos que le sirven ppara hablar de memoria y olvido. Pasamos a otro de los platos fuertes de la muestra, Mikeldi Pérez, maestro de los efectos ópticos y la reflexión sobre la imagen digital en 16:9.

Del spray pasamos de nuevo al acrílico con las obras de Gorka Piñol y Marta Jiménez, obras de gran tamaño que se disfrutan pero no aportan nada nuevo. Los dos artistas restantes utilizan la fotografía como medio de expresión. David Martínez recurre a elementos como el láser y el humo para generar su discurso, que se entiende mucho mejor al acceder a su página. Para cerrar nos topamos con la obra de Juanjo López, que reflexiona sobre la idea del hogar con su serie Vernáculos. En ella, la imagen fotográfica no precisa del retoque para hablar de distintas realidades. Sin embargo, la fuerza del trabajo se pierde por pequeños detalles que distraen: el metacrilato arañado o los pelos que han quedado enmarcados con la imagen hacen que cueste tomarse en serio esta serie. Además, según su biografía nació en 1978, lo cual le situa fuera del rango de edad que utiliza la muestra como bandera.

Art <30 es una buena muestra de en qué términos se mueve el panorama artístico español, confiado a jóvenes promesas que hacen lo que pueden para salir a flote con los recursos de los que disponen. Permanecerá en Casa de la Provincia hasta el 5 de febrero de 2012 y puede visitarse de  martes a domingo, de 10 a 14 h. y de 18 a 21 h.

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Iconos de la cultura asiática han llegado a Sevilla de la mano del artista vasco Judas Arrieta para quedarse, al menos, hasta el 28 de enero. Sólo se dejan ver en la galería de arte contemporáneo AJG, en pleno centro de la ciudad. Arrieta ha inmortalizado a las celebrities del gigante asiático de manera obsesiva, con técnicas sacadas de aquí y allá que rozan el collage, al más puro estilo del pasticheposmoderno. La exposición podrá visitarse hasta el 28 enero en la galería AJG, situada en el Pasaje Francisco Molina, los lunes de 18:00 a 20:30, de martes a viernes de 11:00 a 13:30 y de 18:00 a 20:30 y los sábados en horario de 11:00 a 13:30. Si te gusta el mundo del manga no lo dudes: esta es tu exposición.

Iconos de la cultura asiática han llegado a Sevilla de la mano del artista vasco Judas Arrieta para quedarse, al menos, hasta el 28 de enero. Sólo se dejan ver en la galería de arte contemporáneo AJG, en pleno centro de la ciudad.

Del País Vasco a Pekin. Éste fue el camino que tuvo que emprender Judas Arrieta para encontrarse a si mismo y a su arte. Su  Hondarribia natal le proporcionó una infancia de televisión y dibujos animados, en la que el anime fue su mejor aliado y Mazinger Z su mejor amigo. De este modo comenzó su interés por la cultura asiática, un amorío que le llevó a la Univesidad para cursar artes y dibujar a sus héroes en lienzos de gran tamaño.

Fue esta relación con el arte nipón la que le arrastró de España a China, donde creó su propio estudio. Allí se dejó llevar por la influencia del dibujo animado japonés, la forma de vida asiática contemporánea y sus vínculos con la  perspectiva europea para crear su propia obra artística.

De este modo surgió una gran cantidad de material que comenzó a viajar por todo el mundo y le proporcionó una situación cómoda dentro del panorama artístico español. En esta ocasión sus ídolos chinos se han afincado en la galería de arte contemporáneo sevillana AJG. Arrieta es una esponja que se empapa de lo que le rodea para derramarlo en el barroquismo de su pintura sobrecargada, delirante y caótica. La superposición de elementos plásticos no es más que una superposición de conceptos sociales, políticos y publicitarios que

habla de los nuevos famosos del panorama asiático contrastados con las viejas glorias animadas del niño que fue. En su obra, el armónico rostro de Zhang Ziyi, reconocida actriz de origen chino, se mezcla con el gato cósmico más famoso, Bruce Lee aparece difuminado entre texto y dibujos simples y así hasta contar 28 retratos, todos elaborados durante el pasado año.

Arrieta ha inmortalizado a las celebrities del gigante asiático de manera obsesiva, con técnicas sacadas de aquí y allá que rozan el collage, al más puro estilo del pastiche posmoderno. Tanta superposición de líneas, texto y color llega a resultar molesta pese a la identificación que supone para el espectador reconocer en las ilustraciones a personajes que también formaron parte de su infancia. Es esta idea de niñez la que retoman los juguetes que comparten espacio con la obra pictórica, aunque esta vez con matices de perversión. Sus muñecos se llaman Judas Z, en claro homenaje al compañero del robot Afrodita, y es más cercano al autorretrato que al cada vez más explotado mundo del juguete de vinilo.

La exposición podrá visitarse hasta el 28 enero en la galería AJG, situada en el Pasaje Francisco Molina, los lunes de 18:00 a 20:30, de martes a viernes de 11:00 a 13:30 y de 18:00 a 20:30 y los sábados en horario de 11:00 a 13:30. Si te gusta el mundo del manga no lo dudes: esta es tu exposición.

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Perera nació en Huelva en 1983 para dedicarse a la pintura. Se formó como artista en Sevilla y, desde entonces, vive entre ambas ciudades al tiempo que realiza su doctorado. El óxido y el abandono campan a sus anchas en la obra de este joven, que muestra una gran debilidad por el deterioro, al estilo de los viejos románticos por el contenido, pero renovado por la forma y por los protagonistas de sus cuadros. En Fósiles de Metal se centra en elementos de uso cotidiano, vehículos como coches y motos que adquieren una nueva realidad al ser dejados a la intemperie en desguaces, lugares donde dejan de ser útiles para el hombre y comienzan a serlo para el artista. La chatarra se convierte en una metáfora de creación y destrucción siempre presente en la obra del onubense.

Las manchas de pintura no entienden de formatos ni soportes. En la sala se mezclan el papel con el cartón y la madera con el lienzo. Sobre ellos danzan unas pinceladas vivas e inteligentes que transforman en poética el desorden. Tonalidades frías se mezclan con los colores del óxido entre texturas y superposiciones en un alarde de genialidad. La galería goza de una buena iluminación que permite disfrutar de cada detalle de estos óleos, que además se pueden adquirir por un precio bastante razonable. El precio base es 400 € que, dada la calidad de lo expuesto, se puede considerar como una ganga. 

Entrevista: Alex Esteva y Thomas Esposito / Realización: Álex Esteva (visita su canal en Youtube)

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Van den Eynde es profesora de Imagen Digital en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense. Estudiosa de la pintura flamenca del XVII y amante de la pintura de Juan de Arellano, su mayor influencia,  utiliza la fotografía digital para hacer eternas las guirnarlas florales que construye ella misma. Su proceso creativo se inicia entre la tierra del jardín, donde planta y mima a sus protagonistas hasta que alcanzan la madurez necesaria para ser retratadas. Estas naturalezas muertas beben de la poesía y del interés por la botánica y conforman una coherente reformulación de las antiguas máximas de la pintura floral.

La muestra reune 20 obras en las que todo el protagonismo recae en los colores y formas que nos brinda la naturaleza. Las imágenes son sencillas y directas, de gran belleza estética. Pertenecen a esa categoría artística de obras fáciles de colgar, complementos perfectos para cualquier salón o dormitorio. La artista nos muestra los frutos de su jardín sobre un regio fondo negro que queda en un segundo plano dadas las redondeces y bondades de frutos y flores. Las composiciones están muy cuidadas y rozan la perfección.

Sólo hay una cosa que falla: la luz. El retoque digital, el ensamblaje de piezas y demás triquiñuelas hacen que haya varios focos de luz en una misma imagen. Este hecho distrae ya que otorga un halo de falsedad a la obra, y que lleva a cuestionarse si los colores de los que hacen gala los adornos florales son reales. Este hecho se une a otro gran error, el de proteger la obra tras un cristal. la disposición de las luces en la galería hace de cada fotografía un espejo en el que, mas que contemplar las flores expuestas sobre papel satinado, nos vemos a nosotros mismos observando.

La exposición se puede visitar hasta el 10 de enero en la galería Birimbao. Estará abierta los lunes de 19 a 21 horas, de martes a viernes de 11 a 13,30 y de 19 a 21 y los sábados de 11 a 13,30.

Entrevista: Thomas Esposito / Realización: Álex Esteva (visita su canal en youtube)

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